Spanish animation: The Strange case of Dad’s missing head

Desde que pude apreciar el primer teaser de Noctura no me quedó duda de que se trababa de una producción animada de muy buena calidad. Luego, al verla, quede maravilladlo, estos españoles sí que son buenos. En esta ocasión los dejo con algo de la misma mano Headless Productions: The Strange case of Dad’s missing head”. También una mirada a “I’m a monster” y “No pets Allowend” (StudioNEST). Lamentablemente, estas últimas, no se produjeron nunca, que pena.

Animación funcional = infografía (es obvio)

Soy diseñador industrial de profesión y siempre me costó explicar a mis alumnos diseñadores gráficos que el DISEÑO no solo es bonito, también funcional, eso quiere decir que soluciona problemas, posiblemente de comunicación, y la animación también es funcional. Aquí una muestra de infografía animada, la primera del animador Yoni Goodman responsable del galardonado Waltz con Bashir. Y otras que me parecieron muy BONITAS (con ironía).

Cronache di una marionetta

No puedo esperar a comentarles, después de ver el video de Radiochimica “Cronache di una marionetta”, que la idea de hacer un corto en stop-motion con fotos de personas me vino a la mente cuando quería explicarles a mis alumnos de ISIL sobre esta técnica. Quería hacer algo divertido y luego de ver el video musical no me queda dudas de que es posible mover el cuerpo como una marioneta e imitar los fundamentos de animación sin que se pierda la cordura. Disfruten el video y el making of.

Stop-Motion: Zséman

Voy a retomar el blog, en estas fiestas, con un corto de estudiantes de la Moholy-Nagy University of Art and Design en Budapest. La técnica de realización es stop-motion, con papel recortado e integración de imágenes realistas para los ojos y boca. Gráficamente cálida y muy atractiva además un ejemplo de conjunción de técnicas tradicionales con digitales.

Referencias

En esta ocasión quiero ocuparme de las referencias. Cómo analizar y aprovechar al máximo las referencias; pero para ello debemos definir que se trata realmente la animación. Con frecuencia se considera a la animación de buena calidad cuando esta es muy realista. Entonces la captura de movimiento (MOCAP) sería la solución pues copiaríamos exactamente lo que hace un actor en la vida real. Pero el uso de sólo la captura de movimiento no asegura una buena animación, nótense los resultados en El Expreso Polar, y en varias producciones para la TV, donde se ha confiado al máximo el uso de esta tecnología incluso en la animación facial.

Es controversial el uso de la captura de movimiento y ya lo indicaba la producción de Ratatuille en los créditos:

“Our Quality Assurance Guarantee: 100% Genuine Animation! No motion capture or any other performance shortcuts were used in the production of this film.”

El hecho es que, la captura de movimiento sin un animador como intérprete, no añade valor agregado a la animación. La captura de movimiento es una herramienta y hay que saber usarla de manera que contribuya a mejorar la animación. El uso de tal o cual herramienta no garantiza la calidad de la animación; pero si está garantizado por la habilidad y la mano del animador. En una ocasión le preguntaron a John Lasseter sobre el Software que usaba para hacer de su animación tan divertida y le sugerían que la responsable de ello era justamente la tecnología.



En Azureus Rising se uso 25% de captura de movimiento y 75% de animación a mano como comenta David Weinstein , su productor y director, y los resultados son espectaculares. En la exitosa película Spielberg: Tintin and the Secret of the Unicorn se usó un porcentaje mucho mayor de captura de movimento y estos son los resultados.



Mucha gente cree que la tecnología hace de la animación mucho mejor; pero ciertamente la animación sigue siendo un trabajo manual. La gracia de la animación está en la interpretación que hace el animador de la realidad, como cualquier Arte. Fijése en la animación en L'illusionniste, el valor no está en la copia de la realidad, hay mucho más que eso. Si nos moviéramos como los personajes de la película animadas seriamos una especie rara, y de hecho llamariamos mucho la atención. Hay muchos aspectos creativos de los movimientos en animación que escapan a la realidad pero devienen de ella.



La animación se basa en aspectos de la realidad pero no es una copia de ella. Para desarrollar una buena animación debemos saber cómo relacionar las referentes con nuestro trabajo como animadores y me atrevo a mencionar algunas:

1. Usar referencias no es copiar la realidad.
2. Debemos elegir adecuadamente las referencias. Elegir actores que actúen con énfasis y que motiven la creatividad de la animación.
3. Debemos analizar las referencias: agrupar los aspectos de la realidad como contribuyentes al resultado de nuestro trabajo. Cómo contribuyen a la animación primaria y a la animación secundaria. Ollie Johnston decia que la imagen de la realidad nos daba demaciada información, por lo que era importante extraer la información básica para el animador... de forma que pudieramos elegir lo que deseabamos exajerar y obtener la acción apropiada para cada escena.
4. Debemos prestar atención a los aspectos sutiles de la realidad y usarlos de forma creativa.
5. Tenemos que hacer una jerarquía de importancia de los aspectos sutiles de la realidad apropiados para cada toma.
6. Es importante prestar atención al Timing de los movimientos de la realidad: aceleración y desaceleración.
7. Es importante usar la exageración para enfatizar el movimiento de manera que se entienda el argumento.
8. Debemos recrear el movimiento y mejorarlo: hacer animación. Considerando las posturas y la mejor manera de contar el argumento.
9. Usar anticipación para orientar la atención de la audiencia.
10. Debemos agregar ritmo a la animación. En la vida real las personas no nos movemos con ritmo salvo estemos bailando.

No pretendo ser la última palabra; pero estas reflexiones son un resumen de lo aplicado por animadores destacados. Ver este blog para más información.

Actuación para animadores

El factor más importante que involucra el éxito de una película animada es, sin lugar a dudas, la historia. Incluso la combinación de un buen guión y una mala animación pueden originar una buena película, a entender de John Lasseter de Pixar. Entonces, si tenemos que enfocarnos en el guión, el animador tendría que preguntarse cuál es la importancia de su labor. La tarea del animador es representar de la mejor manera la historia, para que tenga el mayor impacto en el espectador. Lo cierto es que todos los aspectos que interviene en una película de animación: personajes, composición, ambiente, iluminación, efectos especiales y la animación deben seguir un hilo conductor común: el guión.

Los medios para desarrollar la mejor representación están en la actuación. Por lo que podemos deducir que el animador debe ser un buen actor. Es claro que un buen animador debe tener muy buen conocimiento de la actuación, pero de manera particular. Veamos algunas diferencias.

El momento del actor es exactamente en el escenario con público o frente a la cámara, allí ocurre todo, el actor se prepara para esos instantes. El actor aprende a suprimir sus emociones para dar vida al personaje. El tiempo del animador está en todo el proceso de animación, desde los primeros dibujos hasta los sutiles arreglos de curvas en la sincronización labial.

Para un actor las emociones producen expresiones faciales, para un animador las expresiones faciales producen emoción y hay que encontrar cual es la más sugestiva. Un actor nunca preguntaría si debe fruncir el seño para reflejar enfado; un animador estudiaría como debería manipular la expresión para hacerla lo más explicito posible. Noten que una buena actuación de teatro posiblemente sea insuficiente en una película animada y una buena animación, posiblemente sea en extremo exagerada en el teatro o el cine.

Una actuación en el teatro es única, a pesar que debemos pensar que veremos lo mismo en el transcurso de la temporada, pero desde el punto de vista del actor, nunca se repinten las representaciones, la improvisación es muy importante. El animador debe retomar la animación y recrearla por varias semanas o lo necesario que dure el proceso, además todo se debe planificar y evalúar.

El aprendizaje de actuación para el animador debe estar orientado a la observación, análisis y discusión sobre actuación en el cine, en el teatro e incluso sobre la animación. El aprendizaje está más cercano al entendimiento de lo que denominaba Frank Thomas como calidez, y no es más que los sentimientos del personaje que vienen de su corazón; y su particular punto de vista y eso te hace pensar que siente un personajes y porque lo siente así.

Cuando un animador me preguntan sobre las ventajas de llevar un curso de actuación, clown o improvisación, les respondo afirmativamente, pero deben entender estas diferencias y también llevar un filtro para enfocarse en lo relevante. Lo recomendable es asistir a un curso de actuación especialmente diseñado para animadores.