Referencias

En esta ocasión quiero ocuparme de las referencias. Cómo analizar y aprovechar al máximo las referencias; pero para ello debemos definir que se trata realmente la animación. Con frecuencia se considera a la animación de buena calidad cuando esta es muy realista. Entonces la captura de movimiento (MOCAP) sería la solución pues copiaríamos exactamente lo que hace un actor en la vida real. Pero el uso de sólo la captura de movimiento no asegura una buena animación, nótense los resultados en El Expreso Polar, y en varias producciones para la TV, donde se ha confiado al máximo el uso de esta tecnología incluso en la animación facial.

Es controversial el uso de la captura de movimiento y ya lo indicaba la producción de Ratatuille en los créditos:

“Our Quality Assurance Guarantee: 100% Genuine Animation! No motion capture or any other performance shortcuts were used in the production of this film.”

El hecho es que, la captura de movimiento sin un animador como intérprete, no añade valor agregado a la animación. La captura de movimiento es una herramienta y hay que saber usarla de manera que contribuya a mejorar la animación. El uso de tal o cual herramienta no garantiza la calidad de la animación; pero si está garantizado por la habilidad y la mano del animador. En una ocasión le preguntaron a John Lasseter sobre el Software que usaba para hacer de su animación tan divertida y le sugerían que la responsable de ello era justamente la tecnología.



En Azureus Rising se uso 25% de captura de movimiento y 75% de animación a mano como comenta David Weinstein , su productor y director, y los resultados son espectaculares. En la exitosa película Spielberg: Tintin and the Secret of the Unicorn se usó un porcentaje mucho mayor de captura de movimento y estos son los resultados.



Mucha gente cree que la tecnología hace de la animación mucho mejor; pero ciertamente la animación sigue siendo un trabajo manual. La gracia de la animación está en la interpretación que hace el animador de la realidad, como cualquier Arte. Fijése en la animación en L'illusionniste, el valor no está en la copia de la realidad, hay mucho más que eso. Si nos moviéramos como los personajes de la película animadas seriamos una especie rara, y de hecho llamariamos mucho la atención. Hay muchos aspectos creativos de los movimientos en animación que escapan a la realidad pero devienen de ella.



La animación se basa en aspectos de la realidad pero no es una copia de ella. Para desarrollar una buena animación debemos saber cómo relacionar las referentes con nuestro trabajo como animadores y me atrevo a mencionar algunas:

1. Usar referencias no es copiar la realidad.
2. Debemos elegir adecuadamente las referencias. Elegir actores que actúen con énfasis y que motiven la creatividad de la animación.
3. Debemos analizar las referencias: agrupar los aspectos de la realidad como contribuyentes al resultado de nuestro trabajo. Cómo contribuyen a la animación primaria y a la animación secundaria. Ollie Johnston decia que la imagen de la realidad nos daba demaciada información, por lo que era importante extraer la información básica para el animador... de forma que pudieramos elegir lo que deseabamos exajerar y obtener la acción apropiada para cada escena.
4. Debemos prestar atención a los aspectos sutiles de la realidad y usarlos de forma creativa.
5. Tenemos que hacer una jerarquía de importancia de los aspectos sutiles de la realidad apropiados para cada toma.
6. Es importante prestar atención al Timing de los movimientos de la realidad: aceleración y desaceleración.
7. Es importante usar la exageración para enfatizar el movimiento de manera que se entienda el argumento.
8. Debemos recrear el movimiento y mejorarlo: hacer animación. Considerando las posturas y la mejor manera de contar el argumento.
9. Usar anticipación para orientar la atención de la audiencia.
10. Debemos agregar ritmo a la animación. En la vida real las personas no nos movemos con ritmo salvo estemos bailando.

No pretendo ser la última palabra; pero estas reflexiones son un resumen de lo aplicado por animadores destacados. Ver este blog para más información.

Actuación para animadores

El factor más importante que involucra el éxito de una película animada es, sin lugar a dudas, la historia. Incluso la combinación de un buen guión y una mala animación pueden originar una buena película, a entender de John Lasseter de Pixar. Entonces, si tenemos que enfocarnos en el guión, el animador tendría que preguntarse cuál es la importancia de su labor. La tarea del animador es representar de la mejor manera la historia, para que tenga el mayor impacto en el espectador. Lo cierto es que todos los aspectos que interviene en una película de animación: personajes, composición, ambiente, iluminación, efectos especiales y la animación deben seguir un hilo conductor común: el guión.

Los medios para desarrollar la mejor representación están en la actuación. Por lo que podemos deducir que el animador debe ser un buen actor. Es claro que un buen animador debe tener muy buen conocimiento de la actuación, pero de manera particular. Veamos algunas diferencias.

El momento del actor es exactamente en el escenario con público o frente a la cámara, allí ocurre todo, el actor se prepara para esos instantes. El actor aprende a suprimir sus emociones para dar vida al personaje. El tiempo del animador está en todo el proceso de animación, desde los primeros dibujos hasta los sutiles arreglos de curvas en la sincronización labial.

Para un actor las emociones producen expresiones faciales, para un animador las expresiones faciales producen emoción y hay que encontrar cual es la más sugestiva. Un actor nunca preguntaría si debe fruncir el seño para reflejar enfado; un animador estudiaría como debería manipular la expresión para hacerla lo más explicito posible. Noten que una buena actuación de teatro posiblemente sea insuficiente en una película animada y una buena animación, posiblemente sea en extremo exagerada en el teatro o el cine.

Una actuación en el teatro es única, a pesar que debemos pensar que veremos lo mismo en el transcurso de la temporada, pero desde el punto de vista del actor, nunca se repinten las representaciones, la improvisación es muy importante. El animador debe retomar la animación y recrearla por varias semanas o lo necesario que dure el proceso, además todo se debe planificar y evalúar.

El aprendizaje de actuación para el animador debe estar orientado a la observación, análisis y discusión sobre actuación en el cine, en el teatro e incluso sobre la animación. El aprendizaje está más cercano al entendimiento de lo que denominaba Frank Thomas como calidez, y no es más que los sentimientos del personaje que vienen de su corazón; y su particular punto de vista y eso te hace pensar que siente un personajes y porque lo siente así.

Cuando un animador me preguntan sobre las ventajas de llevar un curso de actuación, clown o improvisación, les respondo afirmativamente, pero deben entender estas diferencias y también llevar un filtro para enfocarse en lo relevante. Lo recomendable es asistir a un curso de actuación especialmente diseñado para animadores.

walking

Después de algún tiempo vuelvo a escribir en el blog. En esta oportunidad quería mostrar los últimos ejercicios que desarrolle para mantenerme en forma. En la web pueden ver algunas caminatas, un salto, lifting y finalmente un ejercicio de lip-sync, Espero que les guste.

http://sandro.awardspace.info/

Los ejercicios de caminatas son fundamentales para comprender la mecánica del cuerpo, es un ejercicio corto, trabajoso pero gratificante. Para desarrollarlo con calidad se debe prestar mucha atención en la sincronización entre los movimientos de los brazos y piernas, el balance del cuerpo, el ritmo y la composición del movimiento. Muchas veces se cree que el animador copia los movimiento de la vida real, lo que sucede realmente es que los toma como referencia para reinterpretarlos desde un punto de vista propio, en ocasiones diferente, esto hace a la animación algo singular. La idea es representar algo particular y diferente. No me imagino ver a las personas yendo al cine para ver cosas comunes.

Un aspecto importante es que las partes del cuerpo no se mueven al mismo tiempo, esto ocurre con muestro cuerpo porque los huesos se unen por medio de articulaciones, que permiten, por ejemplo, que la muñeca tenga un retraso al moverse el codo o el hombro. Este movimiento es muy sutil en la cinemática corporal. Pero el animador lo lleva al extremo, haciendo alarde de sus posibilidades, crea movimientos muy bonitos, como por ejemplo, en la animación de la columna del caminar sigiloso. Para poder disfrutar del este moviendo preste atención en el movimiento de balance, de adelante para atrás, de la cadera del personaje; luego note el retraso de los hombros con relación a las caderas y finalmente el retraso de la cabeza con relación a los hombros.
Espero que puedan disfrutar la animación como yo, en todo caso estoy seguro que ahora lo apreciaran con otros ojos.

Entrevista a Thierry Marchand

Thierry Marchand, nominado al Oscar por su cortometraje de animación "Oktapodi" y ganador de de numerosos premios (Siggraph, Annecy, Imagina, Anima Mundi, ArtFutura, Hiroshima), Estudio en Gobelins y ha trabajado en Dreamworks.



¿Cómo fue tu experiencia como estudiante en Gobelins?
Pasé 3 años en Gobelins. Cuando ingrese a la escuela tenía muy altas expectativas en términos de aprendizaje de habilidades técnicas en animación; y no me decepcionaron. Rápidamente, me di cuenta lo que hace a esta escuela tan especial: la gran cantidad de los estudiantes que egresa cada año y que triunfan en el campo de la animación. Esta fue la mejor oportunidad de mi vida para conocer a gente increíble y talentosa que me motivó e inspiró a través de la formación general en Gobelins. La escuela se mantiene abierta a estudiantes internacionales desde del año pasado gracias a las gestiones de los profesores y, especialmente de Eric Riewer que está actualmente a cargo de las relaciones internacionales de la escuela. Esta fue la segunda vez que he trabajado muy duro en mi vida, pero definitivamente valió la pena.
Parece que aprender animación es un trabajo extenuarte, por que aprender animación es un trabajo duro, Al parecer es la segunda vez que trabajantes fuerte, cual fue la primera vez, está relacionado con animación.
Fui ingeniero informático en mi otra vida. Ese fue mi primer objetivo personal y demando una gran inversión durante 2 años ... Regresando al tema principal que la animación, es algo muy difícil, la animación no es un proceso natural. Es como la Filosofía. La primera vez que uno se pregunta acerca de algo obvio, es muy preocupante. Como por ejemplo: ¿por qué estoy en la tierra? ¿Qué es Arte? etc. Estamos tan acostumbrados a ver las cosas en movimiento que la mala animación se nota inmediatamente, sabemos que algo está mal (pero hacer de la animación algo creíble es muy difícil). Esto nos ayuda a comprenderte la animación. La animación es un agujero al que hay que caer en él para poder entenderla.
¿Crees que hay alguna diferencia entre un animador que domina la animación tradicional en 2d así como la animación en 3d, de uno que solo trabaja en 3d?
Es una pregunta difícil de responder, pero no es necesario que un animador en 3d sepa dibujar. Pero implica que aprender animación se convierta en un proceso más largo y penoso. Ir del 2d al 3d es más fácil, por que es cuestión tan solo aprender una nueva herramienta, de otro modo es mucho más difícil.
¿Que opinas de la tecnología en la animación: efectos especiales y la captura de movimiento?
Estoy convencido que los efectos especiales y herramientas que usan son otro campo de trabajo, y no requiere las mismas habilidades que requiere un animador. Con efectos especiales se crea Arte desde el punto de vista técnico mientras que en animación de personajes no se piensa en aspectos técnicos.
Existe gran cantidad de películas en 3d que se producen actualmente, crees que ya no gustan las películas en 2d.
No creo que a la gente le disguste las películas en 2d. Las películas en 2d son muy apreciadas por personas adultas en Asia allí no producen películas en 3d. La animación japonesa es más adecuada para adultos.
¿Que es lo que debe aprender un animador en la actualidad?
Más que saber, te cometaria acerca de las habilidades que debe poseer un animador: ser curioso, observar a la gente al rededor, ver muchas películas, ser paciente y tener buena sensibilidad de la mecánica del movimiento y el lenguaje corporal.
¿Crees importante que un animador sepa contar historias?
Si es muy importante. Para entender el propósito del storyboard y esto ayuda para evitar hacer cortes innecesarios en una producción animada.
¿Cual es tu experiencia en Dreamworks, que proyectos has realizado?
Trabaje durante un año en la India, en Bangalore, desarrollando un especial de navidad de 25 minutos en donde aparecen los personajes de Madagascar, debe de salir en el aire en los próximos meses.


Sandro Ormeño (septiembre 2009)

DemoReel: 2008

Nuevamente escribiendo en el blog, después de tanto tiempo, espero hacerlo con más frecuencia. Les presento mi DemoReel del 2008, y les prometo hacer uno más actual.